La poesía erótica japonesa



La poesía erótica japonesa ha sido una tradición cultural rica y fascinante, cargada de simbolismo, sutileza y una profunda conexión con el deseo y la sensualidad, a menudo enmarcada en la estética de lo sublime y lo natural. Desde los tiempos antiguos hasta la época contemporánea, muchos poetas han explorado estos temas, abordando la erotización de la naturaleza, el cuerpo humano y las emociones humanas de maneras muy delicadas pero profundamente sensuales.
Algunos de los principales exponentes de la poesía erótica japonesa incluyen:


1. Izumi Shikibu (和泉式部)

Vivió en el Período Heian (794-1185) y es una de las poetisas más famosas de la antología "Shūi Wakashū". Izumi Shikibu se destaca por sus poemas de amor apasionados y explícitos, que a menudo tratan temas de la belleza, el deseo y la fugacidad de las relaciones amorosas. Su obra reflejaba la complejidad emocional de las relaciones íntimas, manteniendo una sensualidad contenida dentro de los límites del arte japonés.




Ejemplo de uno de sus poemas eróticos:

"Bajo el cuerpo del amante,

se me enciende el corazón.

El amor no pide tiempo,

ni lo entiende. Sólo arde."




2. Saigyō (西行)

Saigyō fue un monje y poeta durante el Período Heian y es famoso por sus haikus y poesías de amor. Aunque Saigyō era un monje budista y su vida y escritos reflejaban una profunda relación espiritual con la naturaleza y el amor idealizado, muchos de sus poemas tienen una sensualidad implícita que toca lo erótico de manera sofisticada. Él muestra una relación entre el deseo terrenal y lo espiritual, a menudo escribiendo sobre el amor no solo como algo físico, sino también como un lazo profundo.




3. Yoshida Kenkō (吉田兼好)

Yoshida Kenkō, un monje del Período Kamakura, es conocido por su obra "Tsurezuregusa" (Ensayos de ocio), que a menudo contiene reflexiones sobre el amor, la sensualidad y el deseo. A pesar de no ser un poeta erótico en el sentido explícito, muchos de sus ensayos incluyen comentarios sobre la pasión, el deseo físico y el amor fugaz. El tono de su escritura es meditativo, pero, a través de sus observaciones, explora lo efímero de las relaciones humanas.




4. Murasaki Shikibu (紫式部)

Aunque principalmente conocida como la autora de la monumental obra "Genji Monogatari" (El cuento de Genji), Murasaki Shikibu también empleó una gran cantidad de elementos eróticos en su narrativa. Su obra trata de las complejas relaciones amorosas de la corte imperial, y a menudo describe encuentros amorosos en términos sensuales y emocionalmente profundos. El deseo y la atracción física están entrelazados con el destino y la fugacidad del amor en la corte.




"En el jardín, el perfume de las flores,

y en mis pensamientos, el aroma de tu piel.

Cada beso me aleja de la razón,

como un río que no deja de fluir."




5. Noboru Kawabata (川端康成)

Kawabata es un autor moderno japonés, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1968. Aunque su obra no es exclusivamente erótica, hay elementos de sensualidad muy presentes en su trabajo. Su estilo es muy refinado, y muchos de sus escritos, como en "La casa de las bellas durmientes" o en su obra "Lo bello y lo triste", exploran los deseos humanos de una forma elegante y casi filosófica. La sensualidad en Kawabata está impregnada de una atmósfera de melancolía y belleza pura, explorando la atracción física, emocional y espiritual.




6. Tanka y Haiku como formas de poesía erótica

Las formas más tradicionales de la poesía japonesa, como el Tanka (una forma de poesía de 31 sílabas) y el Haiku (una forma breve de tres líneas), también han sido utilizadas en la poesía erótica japonesa. Muchos poemas de tanka o haiku escritos en la época de la corte imperial o incluso más tarde en los siglos XVI y XVII contienen descripciones sutiles de la atracción física y emocional. A menudo, los poetas sutilizan el erotismo, aludiendo a la sensualidad de la naturaleza o a las emociones humanas sin ser explícitos.




Ejemplo de un tanka erótico:

"El viento acaricia

mi piel como tus manos,

el deseo crece

entre los árboles quietos,

y bajo las sombras baila."




7. Sei Shōnagon (清少納言)

Esta autora, una dama de la corte durante el Período Heian, es conocida por su obra "Makura no Soshi" (El libro de la almohada), que incluye observaciones eróticas sutiles y bastante sensuales. A través de su escritura, aborda el amor, la pasión y la atracción en términos casi juguetones, utilizando la ironía y la observación aguda sobre la corte y las relaciones personales. Aunque no es un exponente directo de la poesía erótica, sus escritos contienen muchas observaciones sobre la atracción física y los deseos amorosos.




La poesía erótica japonesa, a menudo, se caracteriza por su ambigüedad, el uso del sugestivo, y la capacidad de evocar el deseo sin necesidad de mostrarlo explícitamente. Las metáforas naturales, el silencio entre las palabras, y las imágenes evocadoras crean un espacio donde el erotismo se entrelaza con el misticismo y la belleza. La sensualidad en la poesía japonesa clásica no está definida simplemente por lo físico, sino también por una profunda conexión emocional, el desenlace inevitable del deseo y la belleza efímera.

Ejemplos de poemas sobre la naturaleza

1. El susurro del viento entre los árboles

Evoca la suavidad del deseo y la conexión con la naturaleza, donde el viento es un medio para transmitir caricias invisibles.




2. La danza de las sombras bajo la luna

Un tema que mezcla la sensualidad de la noche con la fluidez del deseo, sugeriendo que los cuerpos se mueven sin ser vistos, pero sintiendo la atracción.




3. Las olas que rompen en la orilla

La imagen de las olas es ideal para describir la naturaleza del deseo: suave al principio, pero con una fuerza creciente.




4. Bajo la flor del cerezo

Las flores de cerezo son un símbolo de belleza efímera, lo que las convierte en un ideal para explorar el amor y el deseo como algo fugaz pero hermoso.




5. El perfume de la gardenia en la brisa nocturna

La gardenia es una flor asociada con lo sensual y lo misterioso, perfecta para conectar el deseo con los sentidos.




6. El rocío sobre la hierba de la mañana

La frescura del rocío, que toca suavemente la piel, es una metáfora del deseo que se despierta, suave y lleno de promesas.




7. Luz de las estrellas reflejada en el agua

Un tema que sugiere la intimidad compartida y las conexiones profundas, como dos seres reflejados el uno en el otro.




8. El eco de un suspiro en el bosque

Una alusión a los sonidos suaves, misteriosos, que emergen en la quietud de la naturaleza, creando una atmósfera de intimidad y deseo.




9. La luna que se refleja en el lago sereno

La imagen de la luna, símbolo de lo místico y lo sensual, proyectando su luz sobre el agua tranquila, representa la calma y la profundidad de la pasión.




10. El brillo de la luna sobre el monte desnudo

Una metáfora poderosa de vulnerabilidad y deseo, simbolizando la conexión con la naturaleza y el cuerpo como un paisaje desnudo de emociones.




11. El aroma del incienso en la habitación oscura

El incienso es un símbolo de lo etéreo y lo sensual, creando una atmósfera cargada de tensión erótica.




12. El murmullo de las fuentes en el jardín secreto

El sonido del agua, como símbolo de pureza y sensualidad, se convierte en una metáfora del amor secreto, prohibido o contenido.




13. Bajo la luz tenue de las lámparas de papel

La luz suave de las lámparas de papel, típica de la cultura japonesa, crea una atmósfera sensual, cálida y protectora, perfecta para explorar encuentros furtivos y apasionados.




14. El brillo de la carpa roja en el estanque

La carpa, en la cultura japonesa, simboliza la pasión y el amor, lo que hace de este tema un adecuado punto de partida para relatos de deseo y amor no correspondido o prohibido.




15. La suavidad de la seda entre los dedos

La seda es un material que evoca la suavidad y la sensualidad de un tacto delicado, ideal para retratar el deseo y la fragilidad del amor.




16. El canto de la grulla al amanecer

La grulla es un símbolo de longevidad, pero también de los anhelos y sueños, lo que convierte su canto al amanecer en una metáfora de la búsqueda de un amor eterno.




17. El fuego lento de la primavera

Un fuego simbólico que representa la pasión lenta pero constante, como la floración que se desarrolla con el tiempo.




18. El perfume de la peonía en la noche cálida

La peonía, asociada con el amor y la belleza, es un tema perfecto para explorar el deseo sin restricciones, combinado con la calidez y el misterio de la noche.




19. El encuentro de dos cuerpos en el campo de arroz

El campo de arroz, en su simplicidad, es un lugar natural que ofrece un espacio para la conexión más primitiva y sin artificios.




20. El crisol del deseo bajo el cielo lluvioso

El contraste entre la lluvia, que limpia y renueva, y el deseo, que no se detiene, crea una imagen poderosa de pasión imparable.




Estos temas no solo son apropiados para la poesía erótica japonesa, sino que también pueden ser adaptados a diferentes estilos musicales o poéticos, explorando tanto lo fino y refinado como lo agrestre y salvaje. Se pueden evocar imágenes visuales y auditivas, evocando una sensación de intimidad profunda mientras mantienen una conexión con la naturaleza y la estética japonesa.

Francesco Petrarca



Francesco Petrarca, comúnmente conocido como Petrarca, fue un erudito y poeta italiano nacido el 20 de julio de 1304 en Arezzo, Italia, y fallecido el 19 de julio de 1374 en Arquà, cerca de Padua. Es ampliamente reconocido como el "Padre del Humanismo" y una de las primeras figuras del Renacimiento. Aquí algunos puntos clave sobre él:

Contribuciones Literarias: Petrarca es más conocido por su "Canzoniere" o "Rerum vulgarium fragmenta" (Fragmentos de Materia Vernácula), una colección de poemas dedicada principalmente a su amor idealizado, Laura. Su poesía fue fundamental en el desarrollo de la forma del soneto.


El "Canzoniere" (también conocido como "Rerum vulgarium fragmenta" o "Fragmentos de Materia Vernácula") es una de las obras más significativas de Francesco Petrarca. Aquí están algunos aspectos clave sobre este conjunto poético:

Contenido y Estructura: El "Canzoniere" comprende 366 poemas, la mayoría sonetos, pero incluye también canciones, baladas, madrigales y sestinas. Los poemas están divididos en dos partes:
Rima in vita di Madonna Laura (Rima en vida de Madonna Laura): 263 poemas que tratan sobre el amor de Petrarca por Laura mientras ella está viva.
Rima in morte di Madonna Laura (Rima en muerte de Madonna Laura): 103 poemas escritos después de la muerte de Laura, explorando el amor, la pérdida y la memoria.
Tema Central: El tema principal es el amor idealizado por Laura, una mujer que Petrarca describe con una belleza y virtud casi celestiales. A pesar de que Laura es una figura histórica, en la obra toma dimensiones míticas, representando tanto el amor platónico como el sufrimiento y la contemplación del poeta.
Innovación Literaria: Petrarca innovó en el género del soneto, estableciendo lo que ahora se conoce como el soneto petrarquista o italiano, con una estructura de rima ABBA ABBA CDE CDE. Su uso de la introspección, el lenguaje emotivo y la descripción de estados emocionales ha influido enormemente en la poesía lírica posterior.
Influencia: El "Canzoniere" ha tenido un impacto duradero en la literatura europea. Ha servido como modelo para poetas desde el Renacimiento hasta el Romanticismo y más allá, inspirando a figuras como William Shakespeare, Edmund Spenser y muchos otros.
Estilo y Temas: Los poemas exploran una amplia gama de emociones y reflexiones, desde el amor y la belleza hasta la melancolía, el arrepentimiento, y la contemplación de la mortalidad. Petrarca también introduce elementos autobiográficos, fusionando la vida personal con la poética.
Ediciones y Versiones: A lo largo de los años, el "Canzoniere" ha sido revisado y reordenado por Petrarca mismo, resultando en diferentes versiones. La versión más conocida es la que él preparó hacia el final de su vida.

El "Canzoniere" no solo es una colección de poemas de amor sino también un documento de la evolución del pensamiento humanista, donde la introspección y la valoración del individuo y sus experiencias emocionales toman un primer plano en la literatura.


Humanismo: Jugó un papel crucial en el renacimiento del interés por la literatura clásica griega y romana, lo cual fue central para el movimiento humanista. Su redescubrimiento y estudio de las cartas de Cicerón, por ejemplo, influyeron en su estilo de escritura y filosofía.

Influencia: El trabajo de Petrarca tuvo una influencia profunda en poetas posteriores, incluyendo a William Shakespeare, quien adaptó la forma del soneto petrarquista. Sus ideas también ayudaron a dar forma al renacimiento cultural e intelectual conocido como el Renacimiento.

Obras Históricas: Además de la poesía, escribió varias obras académicas como "África", un poema épico, y "De Viris Illustribus" (Sobre Hombres Famosos), que son biografías de figuras históricas destacadas.

Vida Personal: A pesar de sus expresiones poéticas de amor, gran parte de su vida estuvo dedicada al estudio. Viajó extensamente, sirvió a varios mecenas y finalmente se asentó en Vaucluse, donde escribió la mayor parte de su obra.

El legado de Petrarca es vasto; sus trabajos no solo son significativos por su mérito literario, sino también por su papel en la transición de la Edad Media al Renacimiento, enfatizando el estudio de las humanidades y los clásicos, lo que moldearía la educación y la cultura en Europa por siglos venideros.

Nota:

El inventor del soneto, tal y como lo conocemos hoy, generalmente se atribuye 
a Giacomo da Lentini. Giacomo da Lentini fue un poeta italiano del siglo XIII, conocido también como Jacopo da Lentini, y formó parte de la "Escuela Siciliana", un grupo de poetas que escribían bajo el patrocinio del emperador Federico II de Sicilia.


Aquí algunos puntos clave sobre Giacomo da Lentini y el soneto:


Creación del Soneto: Giacomo da Lentini es acreditado con la creación de la forma poética del soneto en la década de 1220 o 1230. El soneto original de Lentini consta de 14 líneas con una estructura de rima ABAB ABAB CDC DCD, lo que se conoce como el soneto siciliano.
Estructura: El soneto siciliano se divide en dos partes, un octavo (ocho líneas) seguido de un sexteto (seis líneas). Esta estructura básica sería refinada y adaptada por poetas posteriores.
Influencia: La invención del soneto por Lentini tuvo una influencia significativa en la poesía italiana y europea. Posteriormente, poetas como Guittone d'Arezzo, Guido Guinizelli y especialmente Dante Alighieri y Francesco Petrarca lo perfeccionaron y popularizaron.
Petrarca y el Soneto: Aunque Francesco Petrarca no inventó el soneto, él popularizó y refinó la forma, creando el "soneto petrarquista" o italiano con la rima ABBA ABBA CDE CDE, que se convirtió en la estructura más famosa y utilizada del soneto en la literatura italiana y más allá.


Por lo tanto, mientras Francesco Petrarca es conocido por haber llevado el soneto a su apogeo poético y por haberle dado una forma reconocida mundialmente, el crédito de su invención se le da a Giacomo da Lentini.

Después de la era de los grandes poetas renacentistas como Petrarca, la poesía italiana continuó desarrollándose a través de diversas fases, y en muchos casos se enfocó más en la exploración del amor, la pasión y lo sensual, sin dejar de lado la riqueza del lenguaje. Algunos poetas italianos subsecuentes, que canalizaron el deseo y la sensualidad en sus escritos, incluyen a figuras como:

1. Torquato Tasso (1544–1595)
Aunque es más conocido por su épica Gerusalemme Liberata, Tasso también fue un poeta de gran sensibilidad en cuanto a la expresión del amor y la pasión. Su obra, Aminta (1573), es una pastoril que captura el deseo y el anhelo romántico de manera sutil y encantadora.

Ejemplo de su sensualidad en la poesía: El estilo de Tasso se caracteriza por su melancolía, pero también por su capacidad para expresar la atracción física y emocional, como en sus elegías y canciones más líricas.

2. Giovanni Boccaccio (1313–1375)
Aunque es contemporáneo a Petrarca, su obra Decamerón fue una de las primeras en abordar el amor y la sensualidad de manera tan directa. Boccaccio exploró la sexualidad, el deseo y las complejidades del amor humano a través de relatos picarescos que desafiaron las normas sociales.

Pasaje representativo: Aunque su enfoque es más narrativo, en sus Rime (poemas líricos) muestra una sensibilidad notable hacia lo sensual y lo físico, a menudo sin caer en la vulgaridad.

3. Giambattista Marino (1569–1625)
Marino fue un poeta barroco conocido por su estilo exuberante y su lenguaje florido. Su obra más destacada, L'Adone (1623), es una epopeya que, más allá de la trama mitológica, está impregnada de una sensualidad fascinante, con descripciones llenas de deseo, belleza y adoración física.

Ejemplo de su sensualidad: En L'Adone, Marino combina la pasión amorosa con un lenguaje ornamental y preciosista, dotando a sus versos de una atmósfera sensual que realza la belleza y la perfección del objeto amado.

4. Pietro Aretino (1492–1556)
Aretino, a menudo llamado el "flagelador de los príncipes", fue un poeta provocador cuya obra se caracteriza por su exploración explícita de lo erótico. Su estilo satírico y audaz, combinado con una escritura despiadada, tocó los límites de lo sensual y lo moral, desafiando las convenciones de la época.

Ejemplo de su sensualidad: En sus Sonetti lussuriosi (Sonetos lujuriosos), Aretino aborda el sexo y la sensualidad sin tapujos, presentando imágenes viscerales y de fuerte carga erótica, que le dieron fama tanto por su atrevimiento como por su destreza literaria.

5. Ugo Foscolo (1778–1827)
Poeta del Romanticismo italiano, Foscolo es conocido por sus exploraciones de la pasión y el amor en obras como Le ultime lettere di Jacopo Ortis (Las últimas cartas de Jacopo Ortis). Aunque su estilo es más melancólico y lleno de desesperación romántica, en muchos de sus poemas late una intensidad sensorial y emocional que roza lo erótico.

Ejemplo de su sensualidad: En Dei sepolcri (Los sepulcros), Foscolo ofrece una reflexión sobre el amor y la muerte, pero también se deja llevar por la sensualidad al considerar la belleza y la permanencia de los sentimientos a través de la memoria del ser amado.

6. Vincenzo Monti (1754–1828)
Monti, también romántico y un poeta de gran técnica, tiene una lírica en la que explora las pasiones humanas, y aunque sus poemas no siempre son explícitos, su estilo refinado y sus alusiones sensuales invitan a la contemplación.

Ejemplo: En su Odi (Odas), Monti aborda el amor con una delicadeza que roza lo físico, jugando con la intensidad de los sentimientos y los contrastes entre lo espiritual y lo sensual.

Jaime Sabines


Jaime Sabines Gutiérrez fue un destacado poeta y político mexicano, nacido el 25 de marzo de 1926 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, y fallecido el 19 de marzo de 1999 en Ciudad de México.


Vida y Carrera:

Inicios: Sabines inicialmente estudió medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) antes de descubrir su verdadera vocación por la literatura.

Poesía: Es conocido por sus diez volúmenes de poesía, en los cuales exploró temas cotidianos de la vida como el amor, la soledad, y la muerte. Su estilo poético se caracteriza por un lenguaje sencillo y directo, a menudo calificado como "coloquialista", que refleja experiencias de la vida diaria.

Obras notables: Entre sus obras más conocidas se encuentran "Horal" (1950), "La señal" (1951), "Adán y Eva" (1952), "Tarumba" (1956), "Yuria" (1967), "Maltiempo" (1972), y "Algo sobre la muerte del Mayor Sabines" (1973), este último considerado por él mismo como su mejor creación.

Influencias: Sabines fue influenciado por poetas como Pablo Neruda y Federico García Lorca, pero también por la literatura popular mexicana y su propia experiencia de vida.

Política: Además de su carrera literaria, Sabines fue activo en la política, sirviendo como diputado federal por Chiapas (1976-1979) y por el Distrito Federal (1988).

Premios y Reconocimientos:

Recibió varios premios importantes, como el Premio Chiapas en 1959, el Premio Xavier Villaurrutia en 1972, el Premio Elías Sourasky en 1982, y el Premio Nacional de Literatura en 1983.

Legado:

La obra de Sabines ha sido traducida a más de doce idiomas, reflejando su impacto no solo en México sino internacionalmente. Es considerado uno de los poetas más importantes del siglo XX en México, conocido por su capacidad de conectar con lectores a través de su poesía accesible y emotiva.

Su poesía ha sido celebrada por su sinceridad y por cómo aborda la realidad humana sin artificios, lo que le valió el apodo de "El francotirador de la literatura".
Sabines dejó un legado significativo tanto en la literatura como en la cultura mexicana, con una obra que sigue siendo apreciada por su profundidad y simplicidad.


El soneto





El soneto es una forma poética que ha sido adoptada y adaptada por muchas culturas y literaturas del mundo. A continuación, se presenta una visión general de los principalestipos de sonetos, considerando su origen y variantes en distintos países:

Siciliano o Italiano


(Petrarquista)

Origen: Sicilia, Italia, en el siglo XIII, con Giacomo da Lentini como posible creador.
Estructura: 14 versos endecasílabos (11 sílabas), organizados en dos cuartetos y dos tercetos. La rima de los cuartetos es ABBA ABBA, mientras que la rima de los tercetos puede variar, siendo común CDE CDE o CDC DCD.
Explicación: El soneto petrarquista se caracteriza por una "volta" o giro en la novena línea, donde se cambia el tema o tono. Petrarca popularizó esta forma, que es conocida por su uso para expresar sentimientos amorosos.


Giacomo da Lentini, también conocido como Jacopo da Lentini o "Il Notaro", fue un poeta y notario italiano del siglo XIII, nacido en Lentini, Sicilia, alrededor del año 1210 y fallecido alrededor de 1260. Es considerado uno de los principales exponentes de la Scuola siciliana, un grupo de poetas sicilianos que surgió bajo el patrocinio del emperador Federico II de Sicilia. Aquí hay algunos puntos clave sobre su vida y obra:

Innovador del Soneto: Giacomo da Lentini es ampliamente reconocido como el inventor del soneto, una forma poética que consta de 14 versos que más tarde se popularizaría a través de poetas como Dante y Petrarca. Sus sonetos se caracterizan por un esquema rímico de ABAB ABAB CDC DCD en la variante siciliana.
Carrera y Vida: Trabajó como notario en la corte de Federico II, donde su título de "Notaro" (notario) le dio su apodo más conocido. Su trabajo administrativo y literario se documenta a través de varios documentos de la época, como cartas y registros donde se menciona su nombre.
Producción Literaria: A Giacomo se le atribuyen alrededor de 22 sonetos y 16 canciones, aunque su obra solo ha sobrevivido en manuscritos posteriores, principalmente en toscano, ya que el siciliano literario en que fueron escritos originalmente se perdió. Sus poemas tratan principalmente temas de amor cortés, con un enfoque en la psicología del amor y la idealización de la amada.
Influencia Cultural: Su trabajo fue pionero en el uso del vernáculo siciliano para la poesía, lo cual fue un paso significativo hacia la creación de una literatura italiana en lengua vulgar, influyendo en la posterior literatura italiana y en la poesía europea en general.
Relación con Otros Poetas: Participó en "tenzoni", competencias poéticas donde poetas se respondían con sonetos. Una de sus tenzoni más famosas fue con el Abate de Tivoli.
Reconocimiento Posterior: Dante Alighieri menciona a Giacomo en su "Divina Commedia" (Purgatorio, Canto XXIV), refiriéndose a él como "el Notaro", subrayando su importancia en la historia de la literatura italiana.

La contribución de Giacomo da Lentini a la literatura universal no solo se limita al desarrollo del soneto sino también a su papel en la transición de la poesía desde lenguas cultas (como el latín) hacia las lenguas vernáculas, marcando el inicio de la literatura italiana moderna.
Sí, a Giacomo da Lentini se le atribuye ser el creador del soneto. Esta forma poética, que consiste en 14 versos, fue desarrollada por él en la Scuola siciliana durante el siglo XIII. Es conocido por haber inventado el soneto con una estructura rítmica específica que luego sería adoptada y modificada por otros poetas, como Petrarca en Italia y Shakespeare en Inglaterra.


Giacomo da Lentini es reconocido como uno de los primeros poetas en utilizar el soneto como forma poética, y sus temáticas se centran principalmente en el amor cortés, un concepto que se desarrolló en la literatura medieval europea. Aquí hay una visión general de sus temas y algunos ejemplos:

Temática:
Amor Cortés: 
Sus sonetos exploran los matices del amor, la idealización de la amada, el sufrimiento por amor no correspondido, y la lucha interna del amante. Este amor es visto como un ennoblecimiento del alma, aunque a menudo con un tono de melancolía o sufrimiento.
Reflexión sobre el Amor:
Muchos de sus poemas también incluyen una contemplación filosófica sobre la naturaleza del amor, su poder, y los efectos que tiene sobre el individuo.
Filosofía y Psicología del Amor:
Lentini introduce elementos de introspección y una especie de análisis psicológico del amor, aunque dentro del contexto medieval.
La Belleza y la Virtud:
Se destaca la belleza de la amada no solo en términos físicos sino también en la pureza de su alma y virtud.

Ejemplos de Sonetos de Giacomo da Lentini:
"No m'aggio posto in core" ("No he puesto en mi corazón"):
Este soneto explora la idea de un amor que no ha sido colocado conscientemente en el corazón del poeta, pero que aún lo domina. Aquí, Lentini juega con la idea de ser "diviso" (dividido) entre el amor y la razón.
"Madonna, dir vo voglio" ("Madonna, quiero decirte"):
En este soneto, el poeta expresa su deseo de declarar su amor, pero también su incapacidad para hacerlo plenamente debido al dolor que le causa el amor no correspondido. Es un ejemplo clásico de la temática del amor cortés donde el amante sufre por su amada.
"Amor che lungiamente mi mena" ("Amor que me guía largamente"):
Aquí, el tema es la guía del amor, que lleva al poeta por caminos de sufrimiento y deseo, explorando la lucha interna y la inevitabilidad del amor.

Estos sonetos de Lentini son notables por su estructura formal, su innovación en la métrica y rima, y por cómo capturan la esencia del amor cortés con una profundidad emocional y una sofisticación que influiría en los poetas que vendrían después. La temática de Lentini no solo ayudó a definir el soneto como forma literaria sino que también estableció muchos de los tropos que definirían el amor en la poesía europea por siglos.


Inglés o Shakesperiano


Origen: Reino Unido, popularizado por William Shakespeare en el siglo XVI.


Estructura: 14 versos también en pentámetro yámbico, pero con tres cuartetos y un pareado final (ABAB CDCD EFEF GG).


Explicación: La "volta" en este tipo de soneto suele estar en la novena línea o en el pareado final, cambiando el enfoque o resolviendo el tema presentado. Shakespeare utilizó este formato para explorar una amplia gama de temas más allá del amor.

Además de Shakespeare, hay varios poetas en Inglaterra e Irlanda que han contribuido significativamente al género del soneto inglés. Aquí algunos ejemplos notables:

En Inglaterra:
Edmund Spenser (1552-1599):
Conocido por su poema épico "La Reina de las Hadas", también escribió sonetos, introduciendo lo que ahora se conoce como el soneto spenseriano, una variante del soneto inglés con un esquema de rima ABAB BCBC CDCD EE. Su colección "Amoretti" es un ejemplo destacado de su trabajo en este formato.
Thomas Wyatt (1503-1542):
Wyatt es considerado uno de los primeros en introducir el soneto en Inglaterra, adaptando formas italianas. Aunque escribió principalmente en el estilo petrarquista, su trabajo ayudó a sentar las bases para la evolución del soneto inglés.
Philip Sidney (1554-1586):
Su colección "Astrophil y Stella" es una de las más importantes de la literatura isabelina, donde utiliza el soneto inglés para explorar temas de amor y deseo. Sidney siguió la estructura de rima shakesperiana ABAB CDCD EFEF GG en muchos de sus sonetos.
John Milton (1608-1674):
Aunque más conocido por su épica "El Paraíso Perdido", Milton escribió sonetos que son notables por su tono y temática, a menudo tocando temas religiosos, políticos y personales. Sus sonetos siguen la estructura inglesa.

En Irlanda:
W.B. Yeats (1865-1939):
Aunque Yeats es conocido por una amplia gama de formas poéticas, escribió sonetos que reflejan su interés por la tradición literaria y su compromiso con la identidad y la política irlandesa. Su soneto "Leda y el Cisne" es uno de los más famosos, combinando mitología con reflexión histórica.
Patrick Kavanagh (1904-1967):
Kavanagh, aunque escribió en una variedad de formas, también exploró el soneto. Su poesía está profundamente enraizada en el paisaje y la cultura de Irlanda rural, y sus sonetos reflejan esta conexión con la tierra y la vida cotidiana.
Estos poetas, tanto en Inglaterra como en Irlanda, han añadido a la rica tradición del soneto inglés sus propias voces, temas y variaciones estructurales, ampliando el alcance y la profundidad de este género poético.

Español


Origen: Introducido en España a principios del siglo XVI, con figuras como Garcilaso de la Vega y Juan Boscán.

Estructura: Sigue la forma petrarquista, generalmente con versos endecasílabos y la rima ABBA ABBA en los cuartetos y variaciones en los tercetos como CDE CDE, CDC DCD, etc.
Explicación: En el Barroco, poetas como Quevedo y Góngora no solo mantuvieron la estructura sino que añadieron complejidad y variación temática.
Los poetas de habla hispana han producido una rica tradición de sonetos, explorando diversas tendencias estructurales y temáticas a lo largo de los siglos. Aquí tienes algunos poetas destacados y ejemplos de sus contribuciones al género del soneto:

Siglo XVI - Renacimiento y Siglo de Oro:
Garcilaso de la Vega (1501-1536):
Introdujo y perfeccionó el soneto en español, siguiendo la estructura petrarquista. Su soneto "En tanto que de rosa y azucena" es uno de los más famosos.
Francisco de Quevedo (1580-1645):
Conocido por su ingenio y sarcasmo, escribió sonetos que varían desde el amor hasta la sátira. "Amor constante más allá de la muerte" es uno de sus sonetos más reconocidos.

Siglo XVII - Barroco:
Luis de Góngora (1561-1627):
Su estilo culterano se refleja en sonetos complejos tanto en estructura como en lenguaje. "Mientras por competir con tu cabello" es un ejemplo notable.
Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695):
Destacada por su inteligencia y feminismo, escribió sonetos que abordan temas de amor, filosofía y crítica social. "En perseguirme, Mundo, ¿qué interesas?" es uno de sus sonetos más célebres.

Siglo XIX - Romanticismo y Modernismo:
Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870):
Sus sonetos son conocidos por su intensidad emocional y simplicidad. "Rima XI" es un ejemplo de su estilo.
Rubén Darío (1867-1916):
Lideró el movimiento modernista, innovando con formas poéticas, incluyendo el soneto. "Sonatina" es uno de sus sonetos más conocidos, aunque también escribió sonetos más formales.

Siglo XX - Variedad y Vanguardias:

Antonio Machado (1875-1939):
Sus sonetos reflejan una introspección profunda y una preocupación existencial, como en "Huye del triste amor, amor pacato".
Federico García Lorca (1898-1936):
Sus "Sonetos del amor oscuro" son una muestra de su capacidad para combinar tradición con innovación, explorando temas de amor y muerte.
Pablo Neruda (1904-1973):
Con su serie "Cien sonetos de amor", Neruda modernizó la forma del soneto, manteniendo su estructura pero infundiéndole un lenguaje y temática contemporáneos.
Jorge Luis Borges (1899-1986):
Escribió sonetos que a menudo mezclan reflexión filosófica con temas de la literatura universal. "Ewigkeit" es un ejemplo de su trabajo en este género.

Siglo XXI:
La tradición del soneto continúa viva con poetas contemporáneos que siguen explorando y a veces alterando su estructura clásica para adaptarse a nuevas voces y preocupaciones.

Estos poetas han utilizado el soneto tanto en su forma clásica como introduciendo variaciones, ya sea en la métrica, la rima o el contenido temático, demostrando la versatilidad y la perdurabilidad de esta forma poética en la literatura hispana.

Portugués


Origen: Introducido por Francisco Sá de Miranda en el siglo XVI, y más tarde expandido por Luís de Camões.


Estructura: Similar al soneto italiano con algunas variaciones en la rima de los tercetos.


Explicación: Camões es conocido por sus sonetos de amor y melancolía, que influyeron profundamente en la literatura portuguesa y brasileña.


Soneto Modernista


Origen: América Latina, especialmente en el contexto del Modernismo literario hispanoamericano del siglo XIX.


Estructura: Puede ser más libre en cuanto a métrica y rima, adoptando a veces versos de arte menor o combinaciones innovadoras.


Explicación: Rubén Darío es una figura clave, quien introdujo variaciones significativas en la métrica y el contenido, explorando temas más cosmopolitas y estéticos.


Variantes Menos Comunes


Soneto Septenario: Utiliza versos de siete sílabas.


Soneto Polimétrico: Combina diferentes medidas de versos dentro del mismo soneto.


Soneto Continuo: Usa solo dos rimas a lo largo de todo el poema, creando una sensación de continuidad.


Cada país puede tener sus adaptaciones y variaciones específicas, pero estas son las formas más reconocidas globalmente. La adaptación del soneto a distintas lenguas y culturas ha llevado a una rica diversidad de expresiones poéticas, todas manteniendo el espíritu original de la estructura fija pero flexible en su contenido temático.

La poesía de Octavio Paz




La poesía de Octavio Paz, especialmente sus sonetos, se distingue por varias características que los separan de los sonetos de otros autores. Aquí hay algunos aspectos clave de esta diferencia:

Temas y Temáticas:

Paz aborda una amplia gama de temas, desde lo amoroso hasta lo político, filosófico y cultural. Su obra refleja una preocupación por la identidad mexicana, la modernidad, la historia y la condición humana. Esto contrasta con muchos poetas que podrían centrarse más en la temática amorosa clásica del soneto.

Estructura y Forma:

Aunque Paz respeta la estructura tradicional del soneto en algunos casos, también innova y experimenta con la forma. Puede alterar el esquema de rimas, la métrica o incluso la distribución de los versos para adaptarse a su visión poética. Esto lo diferencia de poetas más tradicionalistas como Garcilaso de la Vega o Francisco de Quevedo, que se adhirieron más estrictamente a las normas clásicas.

Lenguaje y Estilo:

Paz utiliza un lenguaje que combina lo coloquial con lo erudito, lo místico con lo concreto. Su estilo es a menudo descrito como lírico, pero con una profundidad filosófica que no siempre encontramos en otros poetas de sonetos. Su manera de jugar con las palabras, sus metáforas y su simbolismo son distintivos.

Innovación y Vanguardismo:

Paz fue parte del movimiento surrealista y de otras corrientes vanguardistas, lo que influenció su poesía para ser más experimental y menos convencional en términos de estructura y contenido. Esto lo aleja de los poetas que seguían las convenciones del Renacimiento o el Barroco.

Contexto Cultural y Político:

Paz escribió en un contexto de pos-revolución mexicana, con una visión crítica sobre la historia de México y su lugar en el mundo moderno. Esta perspectiva cultural y política específica permea sus sonetos, dándole un matiz único comparado con poetas de otras nacionalidades o épocas.

Diálogo con Otras Culturas:

Paz fue un poeta cosmopolita que integró influencias de la poesía oriental, especialmente del haiku japonés y la poesía china, en su obra. Esto aporta un sabor distintivo a sus sonetos, que no es tan común en otros poetas europeos o latinoamericanos.

En resumen, los sonetos de Octavio Paz se distinguen por su temática variada y profunda, su experimentación con la forma poética, su estilo lingüístico y su diálogo con diversas tradiciones culturales y filosóficas, lo que los hace únicos en el panorama de la poesía mundial.

Rima XXIV







RIMA XXIV

Gustavo Adolfo Bécquer.

Dos rojas lenguas de fuego

que a un mismo tronco enlazadas

se aproximan y al besarse

forman una sola llama;

dos notas que del laúd

a un tiempo la mano arranca

y en el espacio se encuentran

y armoniosas se abrazan;

dos olas que vienen juntas

a morir sobre una playa

y que al romper se coronan

con un penacho de plata;

dos jirones de vapor

que del lago se levantan

y al juntarse allí en el cielo

forman una nube blanca:

dos ideas que al par brotan,

dos besos que a un tiempo estallan,

dos ecos que se confunden…:

eso son nuestras dos almas.

AMOR MÍO, MI AMOR.








Poema: AMOR MÍO, MI AMOR.

-Jaime Sabines.

Amor mío, mi amor, amor hallado

de pronto en la ostra de la muerte.

Quiero comer contigo, estar, amar contigo,

quiero tocarte, verte.

Me lo digo, lo dicen en mi cuerpo

los hilos de mi sangre acostumbrada,

lo dice este dolor y mis zapatos

y mi boca y mi almohada.

Te quiero, amor, amor absurdamente,

tontamente, perdido, iluminado,

soñando rosas e inventando estrellas

y diciéndote adiós yendo a tu lado.

Te quiero desde el poste de la esquina,

desde la alfombra de ese cuarto a solas,

en las sábanas tibias de tu cuerpo

donde se duerme un agua de amapolas.

Cabellera del aire desvelado,

río de noche, platanar oscuro,

colmena ciega, amor desenterrado,

voy a seguir tus pasos hacia arriba,

de tus pies a tu muslo y tu costado.