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La poesía erótica japonesa



La poesía erótica japonesa ha sido una tradición cultural rica y fascinante, cargada de simbolismo, sutileza y una profunda conexión con el deseo y la sensualidad, a menudo enmarcada en la estética de lo sublime y lo natural. Desde los tiempos antiguos hasta la época contemporánea, muchos poetas han explorado estos temas, abordando la erotización de la naturaleza, el cuerpo humano y las emociones humanas de maneras muy delicadas pero profundamente sensuales.
Algunos de los principales exponentes de la poesía erótica japonesa incluyen:


1. Izumi Shikibu (和泉式部)

Vivió en el Período Heian (794-1185) y es una de las poetisas más famosas de la antología "Shūi Wakashū". Izumi Shikibu se destaca por sus poemas de amor apasionados y explícitos, que a menudo tratan temas de la belleza, el deseo y la fugacidad de las relaciones amorosas. Su obra reflejaba la complejidad emocional de las relaciones íntimas, manteniendo una sensualidad contenida dentro de los límites del arte japonés.




Ejemplo de uno de sus poemas eróticos:

"Bajo el cuerpo del amante,

se me enciende el corazón.

El amor no pide tiempo,

ni lo entiende. Sólo arde."




2. Saigyō (西行)

Saigyō fue un monje y poeta durante el Período Heian y es famoso por sus haikus y poesías de amor. Aunque Saigyō era un monje budista y su vida y escritos reflejaban una profunda relación espiritual con la naturaleza y el amor idealizado, muchos de sus poemas tienen una sensualidad implícita que toca lo erótico de manera sofisticada. Él muestra una relación entre el deseo terrenal y lo espiritual, a menudo escribiendo sobre el amor no solo como algo físico, sino también como un lazo profundo.




3. Yoshida Kenkō (吉田兼好)

Yoshida Kenkō, un monje del Período Kamakura, es conocido por su obra "Tsurezuregusa" (Ensayos de ocio), que a menudo contiene reflexiones sobre el amor, la sensualidad y el deseo. A pesar de no ser un poeta erótico en el sentido explícito, muchos de sus ensayos incluyen comentarios sobre la pasión, el deseo físico y el amor fugaz. El tono de su escritura es meditativo, pero, a través de sus observaciones, explora lo efímero de las relaciones humanas.




4. Murasaki Shikibu (紫式部)

Aunque principalmente conocida como la autora de la monumental obra "Genji Monogatari" (El cuento de Genji), Murasaki Shikibu también empleó una gran cantidad de elementos eróticos en su narrativa. Su obra trata de las complejas relaciones amorosas de la corte imperial, y a menudo describe encuentros amorosos en términos sensuales y emocionalmente profundos. El deseo y la atracción física están entrelazados con el destino y la fugacidad del amor en la corte.




"En el jardín, el perfume de las flores,

y en mis pensamientos, el aroma de tu piel.

Cada beso me aleja de la razón,

como un río que no deja de fluir."




5. Noboru Kawabata (川端康成)

Kawabata es un autor moderno japonés, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1968. Aunque su obra no es exclusivamente erótica, hay elementos de sensualidad muy presentes en su trabajo. Su estilo es muy refinado, y muchos de sus escritos, como en "La casa de las bellas durmientes" o en su obra "Lo bello y lo triste", exploran los deseos humanos de una forma elegante y casi filosófica. La sensualidad en Kawabata está impregnada de una atmósfera de melancolía y belleza pura, explorando la atracción física, emocional y espiritual.




6. Tanka y Haiku como formas de poesía erótica

Las formas más tradicionales de la poesía japonesa, como el Tanka (una forma de poesía de 31 sílabas) y el Haiku (una forma breve de tres líneas), también han sido utilizadas en la poesía erótica japonesa. Muchos poemas de tanka o haiku escritos en la época de la corte imperial o incluso más tarde en los siglos XVI y XVII contienen descripciones sutiles de la atracción física y emocional. A menudo, los poetas sutilizan el erotismo, aludiendo a la sensualidad de la naturaleza o a las emociones humanas sin ser explícitos.




Ejemplo de un tanka erótico:

"El viento acaricia

mi piel como tus manos,

el deseo crece

entre los árboles quietos,

y bajo las sombras baila."




7. Sei Shōnagon (清少納言)

Esta autora, una dama de la corte durante el Período Heian, es conocida por su obra "Makura no Soshi" (El libro de la almohada), que incluye observaciones eróticas sutiles y bastante sensuales. A través de su escritura, aborda el amor, la pasión y la atracción en términos casi juguetones, utilizando la ironía y la observación aguda sobre la corte y las relaciones personales. Aunque no es un exponente directo de la poesía erótica, sus escritos contienen muchas observaciones sobre la atracción física y los deseos amorosos.




La poesía erótica japonesa, a menudo, se caracteriza por su ambigüedad, el uso del sugestivo, y la capacidad de evocar el deseo sin necesidad de mostrarlo explícitamente. Las metáforas naturales, el silencio entre las palabras, y las imágenes evocadoras crean un espacio donde el erotismo se entrelaza con el misticismo y la belleza. La sensualidad en la poesía japonesa clásica no está definida simplemente por lo físico, sino también por una profunda conexión emocional, el desenlace inevitable del deseo y la belleza efímera.

Ejemplos de poemas sobre la naturaleza

1. El susurro del viento entre los árboles

Evoca la suavidad del deseo y la conexión con la naturaleza, donde el viento es un medio para transmitir caricias invisibles.




2. La danza de las sombras bajo la luna

Un tema que mezcla la sensualidad de la noche con la fluidez del deseo, sugeriendo que los cuerpos se mueven sin ser vistos, pero sintiendo la atracción.




3. Las olas que rompen en la orilla

La imagen de las olas es ideal para describir la naturaleza del deseo: suave al principio, pero con una fuerza creciente.




4. Bajo la flor del cerezo

Las flores de cerezo son un símbolo de belleza efímera, lo que las convierte en un ideal para explorar el amor y el deseo como algo fugaz pero hermoso.




5. El perfume de la gardenia en la brisa nocturna

La gardenia es una flor asociada con lo sensual y lo misterioso, perfecta para conectar el deseo con los sentidos.




6. El rocío sobre la hierba de la mañana

La frescura del rocío, que toca suavemente la piel, es una metáfora del deseo que se despierta, suave y lleno de promesas.




7. Luz de las estrellas reflejada en el agua

Un tema que sugiere la intimidad compartida y las conexiones profundas, como dos seres reflejados el uno en el otro.




8. El eco de un suspiro en el bosque

Una alusión a los sonidos suaves, misteriosos, que emergen en la quietud de la naturaleza, creando una atmósfera de intimidad y deseo.




9. La luna que se refleja en el lago sereno

La imagen de la luna, símbolo de lo místico y lo sensual, proyectando su luz sobre el agua tranquila, representa la calma y la profundidad de la pasión.




10. El brillo de la luna sobre el monte desnudo

Una metáfora poderosa de vulnerabilidad y deseo, simbolizando la conexión con la naturaleza y el cuerpo como un paisaje desnudo de emociones.




11. El aroma del incienso en la habitación oscura

El incienso es un símbolo de lo etéreo y lo sensual, creando una atmósfera cargada de tensión erótica.




12. El murmullo de las fuentes en el jardín secreto

El sonido del agua, como símbolo de pureza y sensualidad, se convierte en una metáfora del amor secreto, prohibido o contenido.




13. Bajo la luz tenue de las lámparas de papel

La luz suave de las lámparas de papel, típica de la cultura japonesa, crea una atmósfera sensual, cálida y protectora, perfecta para explorar encuentros furtivos y apasionados.




14. El brillo de la carpa roja en el estanque

La carpa, en la cultura japonesa, simboliza la pasión y el amor, lo que hace de este tema un adecuado punto de partida para relatos de deseo y amor no correspondido o prohibido.




15. La suavidad de la seda entre los dedos

La seda es un material que evoca la suavidad y la sensualidad de un tacto delicado, ideal para retratar el deseo y la fragilidad del amor.




16. El canto de la grulla al amanecer

La grulla es un símbolo de longevidad, pero también de los anhelos y sueños, lo que convierte su canto al amanecer en una metáfora de la búsqueda de un amor eterno.




17. El fuego lento de la primavera

Un fuego simbólico que representa la pasión lenta pero constante, como la floración que se desarrolla con el tiempo.




18. El perfume de la peonía en la noche cálida

La peonía, asociada con el amor y la belleza, es un tema perfecto para explorar el deseo sin restricciones, combinado con la calidez y el misterio de la noche.




19. El encuentro de dos cuerpos en el campo de arroz

El campo de arroz, en su simplicidad, es un lugar natural que ofrece un espacio para la conexión más primitiva y sin artificios.




20. El crisol del deseo bajo el cielo lluvioso

El contraste entre la lluvia, que limpia y renueva, y el deseo, que no se detiene, crea una imagen poderosa de pasión imparable.





Francesco Petrarca



Francesco Petrarca, comúnmente conocido como Petrarca, fue un erudito y poeta italiano nacido el 20 de julio de 1304 en Arezzo, Italia, y fallecido el 19 de julio de 1374 en Arquà, cerca de Padua. Es ampliamente reconocido como el "Padre del Humanismo" y una de las primeras figuras del Renacimiento. Aquí algunos puntos clave sobre él:

Contribuciones Literarias: Petrarca es más conocido por su "Canzoniere" o "Rerum vulgarium fragmenta" (Fragmentos de Materia Vernácula), una colección de poemas dedicada principalmente a su amor idealizado, Laura. Su poesía fue fundamental en el desarrollo de la forma del soneto.


El "Canzoniere" (también conocido como "Rerum vulgarium fragmenta" o "Fragmentos de Materia Vernácula") es una de las obras más significativas de Francesco Petrarca. Aquí están algunos aspectos clave sobre este conjunto poético:

Contenido y Estructura: El "Canzoniere" comprende 366 poemas, la mayoría sonetos, pero incluye también canciones, baladas, madrigales y sestinas. Los poemas están divididos en dos partes:
Rima in vita di Madonna Laura (Rima en vida de Madonna Laura): 263 poemas que tratan sobre el amor de Petrarca por Laura mientras ella está viva.
Rima in morte di Madonna Laura (Rima en muerte de Madonna Laura): 103 poemas escritos después de la muerte de Laura, explorando el amor, la pérdida y la memoria.
Tema Central: El tema principal es el amor idealizado por Laura, una mujer que Petrarca describe con una belleza y virtud casi celestiales. A pesar de que Laura es una figura histórica, en la obra toma dimensiones míticas, representando tanto el amor platónico como el sufrimiento y la contemplación del poeta.
Innovación Literaria: Petrarca innovó en el género del soneto, estableciendo lo que ahora se conoce como el soneto petrarquista o italiano, con una estructura de rima ABBA ABBA CDE CDE. Su uso de la introspección, el lenguaje emotivo y la descripción de estados emocionales ha influido enormemente en la poesía lírica posterior.
Influencia: El "Canzoniere" ha tenido un impacto duradero en la literatura europea. Ha servido como modelo para poetas desde el Renacimiento hasta el Romanticismo y más allá, inspirando a figuras como William Shakespeare, Edmund Spenser y muchos otros.
Estilo y Temas: Los poemas exploran una amplia gama de emociones y reflexiones, desde el amor y la belleza hasta la melancolía, el arrepentimiento, y la contemplación de la mortalidad. Petrarca también introduce elementos autobiográficos, fusionando la vida personal con la poética.
Ediciones y Versiones: A lo largo de los años, el "Canzoniere" ha sido revisado y reordenado por Petrarca mismo, resultando en diferentes versiones. La versión más conocida es la que él preparó hacia el final de su vida.

El "Canzoniere" no solo es una colección de poemas de amor sino también un documento de la evolución del pensamiento humanista, donde la introspección y la valoración del individuo y sus experiencias emocionales toman un primer plano en la literatura.


Humanismo: Jugó un papel crucial en el renacimiento del interés por la literatura clásica griega y romana, lo cual fue central para el movimiento humanista. Su redescubrimiento y estudio de las cartas de Cicerón, por ejemplo, influyeron en su estilo de escritura y filosofía.

Influencia: El trabajo de Petrarca tuvo una influencia profunda en poetas posteriores, incluyendo a William Shakespeare, quien adaptó la forma del soneto petrarquista. Sus ideas también ayudaron a dar forma al renacimiento cultural e intelectual conocido como el Renacimiento.

Obras Históricas: Además de la poesía, escribió varias obras académicas como "África", un poema épico, y "De Viris Illustribus" (Sobre Hombres Famosos), que son biografías de figuras históricas destacadas.

Vida Personal: A pesar de sus expresiones poéticas de amor, gran parte de su vida estuvo dedicada al estudio. Viajó extensamente, sirvió a varios mecenas y finalmente se asentó en Vaucluse, donde escribió la mayor parte de su obra.

El legado de Petrarca es vasto; sus trabajos no solo son significativos por su mérito literario, sino también por su papel en la transición de la Edad Media al Renacimiento, enfatizando el estudio de las humanidades y los clásicos, lo que moldearía la educación y la cultura en Europa por siglos venideros.

Nota:

El inventor del soneto, tal y como lo conocemos hoy, generalmente se atribuye 
a Giacomo da Lentini. Giacomo da Lentini fue un poeta italiano del siglo XIII, conocido también como Jacopo da Lentini, y formó parte de la "Escuela Siciliana", un grupo de poetas que escribían bajo el patrocinio del emperador Federico II de Sicilia.


Aquí algunos puntos clave sobre Giacomo da Lentini y el soneto:


Creación del Soneto: Giacomo da Lentini es acreditado con la creación de la forma poética del soneto en la década de 1220 o 1230. El soneto original de Lentini consta de 14 líneas con una estructura de rima ABAB ABAB CDC DCD, lo que se conoce como el soneto siciliano.
Estructura: El soneto siciliano se divide en dos partes, un octavo (ocho líneas) seguido de un sexteto (seis líneas). Esta estructura básica sería refinada y adaptada por poetas posteriores.
Influencia: La invención del soneto por Lentini tuvo una influencia significativa en la poesía italiana y europea. Posteriormente, poetas como Guittone d'Arezzo, Guido Guinizelli y especialmente Dante Alighieri y Francesco Petrarca lo perfeccionaron y popularizaron.
Petrarca y el Soneto: Aunque Francesco Petrarca no inventó el soneto, él popularizó y refinó la forma, creando el "soneto petrarquista" o italiano con la rima ABBA ABBA CDE CDE, que se convirtió en la estructura más famosa y utilizada del soneto en la literatura italiana y más allá.


Por lo tanto, mientras Francesco Petrarca es conocido por haber llevado el soneto a su apogeo poético y por haberle dado una forma reconocida mundialmente, el crédito de su invención se le da a Giacomo da Lentini.

Después de la era de los grandes poetas renacentistas como Petrarca, la poesía italiana continuó desarrollándose a través de diversas fases, y en muchos casos se enfocó más en la exploración del amor, la pasión y lo sensual, sin dejar de lado la riqueza del lenguaje. Algunos poetas italianos subsecuentes, que canalizaron el deseo y la sensualidad en sus escritos, incluyen a figuras como:

1. Torquato Tasso (1544–1595)
Aunque es más conocido por su épica Gerusalemme Liberata, Tasso también fue un poeta de gran sensibilidad en cuanto a la expresión del amor y la pasión. Su obra, Aminta (1573), es una pastoril que captura el deseo y el anhelo romántico de manera sutil y encantadora.

Ejemplo de su sensualidad en la poesía: El estilo de Tasso se caracteriza por su melancolía, pero también por su capacidad para expresar la atracción física y emocional, como en sus elegías y canciones más líricas.

2. Giovanni Boccaccio (1313–1375)
Aunque es contemporáneo a Petrarca, su obra Decamerón fue una de las primeras en abordar el amor y la sensualidad de manera tan directa. Boccaccio exploró la sexualidad, el deseo y las complejidades del amor humano a través de relatos picarescos que desafiaron las normas sociales.

Pasaje representativo: Aunque su enfoque es más narrativo, en sus Rime (poemas líricos) muestra una sensibilidad notable hacia lo sensual y lo físico, a menudo sin caer en la vulgaridad.

3. Giambattista Marino (1569–1625)
Marino fue un poeta barroco conocido por su estilo exuberante y su lenguaje florido. Su obra más destacada, L'Adone (1623), es una epopeya que, más allá de la trama mitológica, está impregnada de una sensualidad fascinante, con descripciones llenas de deseo, belleza y adoración física.

Ejemplo de su sensualidad: En L'Adone, Marino combina la pasión amorosa con un lenguaje ornamental y preciosista, dotando a sus versos de una atmósfera sensual que realza la belleza y la perfección del objeto amado.

4. Pietro Aretino (1492–1556)
Aretino, a menudo llamado el "flagelador de los príncipes", fue un poeta provocador cuya obra se caracteriza por su exploración explícita de lo erótico. Su estilo satírico y audaz, combinado con una escritura despiadada, tocó los límites de lo sensual y lo moral, desafiando las convenciones de la época.

Ejemplo de su sensualidad: En sus Sonetti lussuriosi (Sonetos lujuriosos), Aretino aborda el sexo y la sensualidad sin tapujos, presentando imágenes viscerales y de fuerte carga erótica, que le dieron fama tanto por su atrevimiento como por su destreza literaria.

5. Ugo Foscolo (1778–1827)
Poeta del Romanticismo italiano, Foscolo es conocido por sus exploraciones de la pasión y el amor en obras como Le ultime lettere di Jacopo Ortis (Las últimas cartas de Jacopo Ortis). Aunque su estilo es más melancólico y lleno de desesperación romántica, en muchos de sus poemas late una intensidad sensorial y emocional que roza lo erótico.

Ejemplo de su sensualidad: En Dei sepolcri (Los sepulcros), Foscolo ofrece una reflexión sobre el amor y la muerte, pero también se deja llevar por la sensualidad al considerar la belleza y la permanencia de los sentimientos a través de la memoria del ser amado.

6. Vincenzo Monti (1754–1828)
Monti, también romántico y un poeta de gran técnica, tiene una lírica en la que explora las pasiones humanas, y aunque sus poemas no siempre son explícitos, su estilo refinado y sus alusiones sensuales invitan a la contemplación.

Ejemplo: En su Odi (Odas), Monti aborda el amor con una delicadeza que roza lo físico, jugando con la intensidad de los sentimientos y los contrastes entre lo espiritual y lo sensual.

Jaime Sabines


Jaime Sabines Gutiérrez fue un destacado poeta y político mexicano, nacido el 25 de marzo de 1926 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, y fallecido el 19 de marzo de 1999 en Ciudad de México.


Vida y Carrera:

Inicios: Sabines inicialmente estudió medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) antes de descubrir su verdadera vocación por la literatura.

Poesía: Es conocido por sus diez volúmenes de poesía, en los cuales exploró temas cotidianos de la vida como el amor, la soledad, y la muerte. Su estilo poético se caracteriza por un lenguaje sencillo y directo, a menudo calificado como "coloquialista", que refleja experiencias de la vida diaria.

Obras notables: Entre sus obras más conocidas se encuentran "Horal" (1950), "La señal" (1951), "Adán y Eva" (1952), "Tarumba" (1956), "Yuria" (1967), "Maltiempo" (1972), y "Algo sobre la muerte del Mayor Sabines" (1973), este último considerado por él mismo como su mejor creación.

Influencias: Sabines fue influenciado por poetas como Pablo Neruda y Federico García Lorca, pero también por la literatura popular mexicana y su propia experiencia de vida.

Política: Además de su carrera literaria, Sabines fue activo en la política, sirviendo como diputado federal por Chiapas (1976-1979) y por el Distrito Federal (1988).

Premios y Reconocimientos:

Recibió varios premios importantes, como el Premio Chiapas en 1959, el Premio Xavier Villaurrutia en 1972, el Premio Elías Sourasky en 1982, y el Premio Nacional de Literatura en 1983.

Legado:

La obra de Sabines ha sido traducida a más de doce idiomas, reflejando su impacto no solo en México sino internacionalmente. Es considerado uno de los poetas más importantes del siglo XX en México, conocido por su capacidad de conectar con lectores a través de su poesía accesible y emotiva.

Su poesía ha sido celebrada por su sinceridad y por cómo aborda la realidad humana sin artificios, lo que le valió el apodo de "El francotirador de la literatura".
Sabines dejó un legado significativo tanto en la literatura como en la cultura mexicana, con una obra que sigue siendo apreciada por su profundidad y simplicidad.


La poesía de Octavio Paz




La poesía de Octavio Paz, especialmente sus sonetos, se distingue por varias características que los separan de los sonetos de otros autores. Aquí hay algunos aspectos clave de esta diferencia:

Temas y Temáticas:

Paz aborda una amplia gama de temas, desde lo amoroso hasta lo político, filosófico y cultural. Su obra refleja una preocupación por la identidad mexicana, la modernidad, la historia y la condición humana. Esto contrasta con muchos poetas que podrían centrarse más en la temática amorosa clásica del soneto.

Estructura y Forma:

Aunque Paz respeta la estructura tradicional del soneto en algunos casos, también innova y experimenta con la forma. Puede alterar el esquema de rimas, la métrica o incluso la distribución de los versos para adaptarse a su visión poética. Esto lo diferencia de poetas más tradicionalistas como Garcilaso de la Vega o Francisco de Quevedo, que se adhirieron más estrictamente a las normas clásicas.

Lenguaje y Estilo:

Paz utiliza un lenguaje que combina lo coloquial con lo erudito, lo místico con lo concreto. Su estilo es a menudo descrito como lírico, pero con una profundidad filosófica que no siempre encontramos en otros poetas de sonetos. Su manera de jugar con las palabras, sus metáforas y su simbolismo son distintivos.

Innovación y Vanguardismo:

Paz fue parte del movimiento surrealista y de otras corrientes vanguardistas, lo que influenció su poesía para ser más experimental y menos convencional en términos de estructura y contenido. Esto lo aleja de los poetas que seguían las convenciones del Renacimiento o el Barroco.

Contexto Cultural y Político:

Paz escribió en un contexto de pos-revolución mexicana, con una visión crítica sobre la historia de México y su lugar en el mundo moderno. Esta perspectiva cultural y política específica permea sus sonetos, dándole un matiz único comparado con poetas de otras nacionalidades o épocas.

Diálogo con Otras Culturas:

Paz fue un poeta cosmopolita que integró influencias de la poesía oriental, especialmente del haiku japonés y la poesía china, en su obra. Esto aporta un sabor distintivo a sus sonetos, que no es tan común en otros poetas europeos o latinoamericanos.

En resumen, los sonetos de Octavio Paz se distinguen por su temática variada y profunda, su experimentación con la forma poética, su estilo lingüístico y su diálogo con diversas tradiciones culturales y filosóficas, lo que los hace únicos en el panorama de la poesía mundial.

¡Oda a la poesía!

 



¡Oda a la poesía!


La poesía es;
una curva prodigiosa,
una recta curvilínea
en el cuerpo de una luz
que se alumbra en otro cuerpo
en la húmeda espesura.


                                             Praxis de esa literatura
que, en su hermosa locura,
leerla profundamente
brinda espacios de ternura,





Alegoría, romance, contacto,
de la metáfora sedienta
que enciende partes obscuras
de la cabeza a los pies
en los centros de las sombras.



El adentro de las cosas
de un ser y de un sentir, y de un amar
por encima, y por el fondo del mar.



Es el viento, el sonido, el musical
del alma, donde reposa la calma,





la obsesión final, y el principio
letrado de todo arte, de toda ciencia
y de toda imaginación.





Es la voz y el canto
de una librería de madera fina
y de un cristal de cielo,
con un azul y un verde,
y un blanco y un negro,
tinta y pincel y mente y alma
arquitectura, pintura y sensaciones.



El agua íntima sentipensante,
amante de la luna y del mar de los abrojos,
interiores, intimidades vox populi
de las pasiones clitográficas y penéculas.







Clitoliteratura oculta al descubierto
de la ciencia de la poesía vernácula
cosmopolita, la juntura de lo abstracto
y lo obsceno, lo concreto y lo virtuoso.



Es el arte ciencia resumida sin fórmulas
sin I con I secretos, precisos
¡discretísimos, discretos!
Epicentro del pensamiento humano.





©Joan Pined ©Creatividad poética


El Acto


Requiere de un silencioespecial de voces de paredes,
y de un vacío lleno de emociones
abiertas, extendidas, enormes
de la virgen selva, del bosque,
del río, las tupidas ideas,
y el animal hermoso
que se alimenta
del cariño del gozo
y me cuida en las noches
y aúlla.

Trasciende



Trasciende que la lluvia
tomó tu cuerpo y echó a volar
sobre los cuerpos
de nubarrones frescos
que no cesaron en aquella tarde
de mucha brisa ondulante, sinuosa…
y luego la tormenta, la racha fulminante
por la noche.
te pude amar, te pude
alcanzar en una nube
del vendaval melódico,
penetré en tus gotas traslúcidas,
y el movimiento se hizo inclemente,
y abrazado estuve contigo empapados
los dos apretados y sumergidos
en un nuevo amanecer confortante.


©Joan Pined ©Creatividad poética


Cambios

 



Cambios

En la noches de tiernas melodías,
el aire acompasaba las baladas,
versos del madrigal, en madrugadas...
versos de una canción de aquellos días


Singulares y tiernas alegrías,
dulce satisfacción en las veladas,
las noches corrían en desbandadas
queriendo dar alcance a nuestras vidas


que angustiadas se sentían de pronto,
porque el clima cambiaba todo el clima
en las cosas que pasan, no sabemos


las personas no hacemos buena rima,
las palabras navegan ya sin remos,
la mercancía vil, rompe el encanto.




Joan Pined                                                                      Creatividadpoética

Sima de Luz














































Sima de luz

Se vive, se viene, se va pasando
la hermosa vida deseada,
bailando hacia el horizonte,
con esperas, las llegadas,
divagan sobre tu piel,
en ese amor que arrebata lo posible,
lo imposible, lo sensible y lo adorable.

La armonía en tu piel, un lienzo oscuro,
donde la claridad se pinta en destellos,
cercana, llena de asombros
que aspiran a la locura,
como el rocío a la aurora,
sin apuros…;
Y en una pequeña grieta de luz,
donde el silencio murmura,
adivinando paredes
se logra atrapar la noche;
que atrapa.
En las sombras de la vida,
que al pasar nos entrelazan,
en las luces de las sombras,
y los mares que arrebatan
las palabras.
Se desvanecen las brisas,
las que encantan suavemente,
dulcemente en la sima de luz,
ahí;
encuentro tu mirada
en un mundo de locura,
la desnudez no se tapa.
En la grieta de luz,
donde los sueños se encuentran,
donde los labios se muerden,
la locura que se agita,
la ternura se agiganta,
en la sima de luz, los besos arden.
Y en el clímax de la noche,
se precisa,
sobre un cielo que no niega,
la pasión que nos envuelve,
donde el tiempo se detiene,
y el amor se vuelve inmenso.
En la sima de luz, en el medio
de los sueños
encontramos en un beso,
la ternura.

©Joan Pined ©Creatividad poética

Poemas japoneses





Poemas japoneses



Existen mucho poemas breves, con métrica exacta, el más popular el mundo occidental es el HAIKU

La métrica del Haiku es (5-7-5). Pero además del popular Haiku existen otros tipos de poemas breves y que son suficientemente en su tamaño, ya que cuentan con textos bellísimos de mucha profundidad, lógicamente esto depende de los gusto y calidad que le imprime cada persona. Además del Haiku que el más conocido comúnmente, existen el senryu, el hokku y el mük.

En estos poema la naturaleza es la esencia de los mismos.



La poesía japonesa, sin embargo, posee una rica variedad de formas poéticas que permitieron a esta milenaria cultura cubrir diversidad de temas, no solamente el de la naturaleza. Algunas de estas formas son específicas para expresar temas espirituales mientras que otras sirven para expresar opiniones sarcásticas sobre el amor o el trabajo, otras fueran hechas para escribirse por dos poetas (y más) y algunos otros, en lo que respecta al tema a cubrir, gozan de mucha libertad.



Muchos de estos poemas tienen tan solo unos pocos versos más; pero otros, en cambio, pueden contener buena cantidad de ellos para construir poemas muy largos, como el chöka.

Hay una gran diversidad de poemas japoneses siendo los más populares el chöka y el tanka.



Chöka

El origen del chöka como forma poética se remonta a la época medieval del Japón. Siendo este tipo de poema un cauce principal de buena parte de la poesía lírica de la época, en el año 759 D.C., Otomo no Yakamochi lo recoge en la antología Manyōshū.

Al parecer, en esta antología los autores masculinos escribieron poemas chöka bastante largos, entre 50 y 100 versos, con un marcado tono externo, dejando poco lugar a los asuntos íntimos, sentimientos y emociones. Las mujeres escritoras, sin embargo, prefirieron el tanka, pues sintieron que este era mejor instrumento poético para desplegar su sensibilidad femenina. El chöka no prohíbe sin embargo el tema emocional, sentimientos y asuntos íntimos; su contenido puede ser variado y amplio en general.

No tiene nombre

No lleva rimas consonantes

Es posible usar rimas asonantes

Admite todo tipo de recursos líricos y retóricos

La cantidad de versos es variable:

Puede ser tan largo como el poeta guste

La cantidad mínima de versos, dada su configuración métrica, es de 7 versos, para diferenciarlo de un tanka, como ya veremos más adelante

Un chöka debe terminar en un katauta de 3 versos con métrica 5-7-7 y contener 2 o más pares de versos 5-7; de esta cuenta, su métrica mínima es: 5-7, 5-7,5-7-7

Veamos el siguiente ejemplo de chöka:



Llueven sakura

cual lágrimas en pétalos,

nostalgia rosa

inundando el asfalto,

y llora mi alma

que el reencuentro quiere;

melancolía

en acento pastel

y sabor a cereza.



Tanka

De alguna manera es posible decir que el tanka tiene al menos unos 1500 años de existir, no en su forma directa, pero sí como parte de otros formatos de poesía japonesa. Uno de los formatos en que existía era el somonka, que es también un poema japonés muy antiguo.



El tanka en su forma particular y definida lo creó Masaoka Shiki, y comparte origen con el hokku, pues ambos nacen del renga (un tipo de poesía colectiva japonesa). Un renga lo inicia un poeta con un hokku (5-7-5) y lo responde otro poeta con un par de versos 7-7. De allí que los primeros 5 versos de un renga (aunque escrito por 2 poetas) dieran origen, más tarde, al tanka.



Como indicamos antes, las poetas japonesas incluidas en la antología Manyōshū, eligieron el tanka para desplegar su belleza poética adornada de gran sensibilidad femenina. De hecho, en un principio, el tanka se usaba como una manera de enviar mensajes codificados entre amantes secretos. La codificación yacía en el uso de metáforas en lugar de lenguaje sencillo y directo. Esto para evitar, si el mensajero sabía leer, que éste pudiera pecar de indiscreto.



Hoy día el tanka se puede usar para diversidad de temas.



En un tanka los primeros 3 versos se conocen como kami-no-ku, de los cuales, el tercero, se denomina verso pivote. Los últimos 2 versos son el shimo-no-ku. El verso pivote debe contener palabras que sean afines (sinónimos o aspectos comúnmente relacionados a) a una o más palabras del shimo-no-ku y de los primeros versos del kami-no-ku.



Las pautas generales para escribir un tanka son:



No lleva título (igual que el chöka)

Esquema métrico: 5-7-5-7-7

No lleva rimas consonantes

Puede llevar rimas asonantes

Admite todo tipo de recursos líricos y retóricos

Debe tener los enlaces entre el pivote y shimo-no-ku y primeros versos del kami-no-ku

Veamos el siguiente ejemplo de tanka:



Tu roja boca

candado de mis labios,

carmín cerrojo;

soy tu esclavo en cadenas,

mi calabozo… tú.



Notad que el verso 3 (pivote) contiene las palabras clave de enlace: carmín, cerrojo. Los primeros versos del kami-no-ku contienen los enlaces correspondientes: “roja” con “carmín”, “candado” con “cerrojo”. El shimo-no-ku (versos 4 y 5) contiene los enlaces correspondientes: “cadenas” con “cerrojo”, “calabozo” con “cerrojo”.



Finalmente, para ejercitar lo aprendido en este artículo, quiero invitarte a escribir un tanka o un chöka en Poémame.com, en nuestra nueva sección de poesía japonesa.



Notas

Los poetas japoneses consideraban que la rima asonante reducía la calidad del poema, a mi parecer, como si lo hiciera menos puro. Personalmente, en un chöka, prefiero una proporción mínima de rimas asonantes y, si el poema es muy corto, ninguna rima asonante.

En un tanka, siendo tan corto, personalmente prefiero evitar a toda costa las rimas asonantes por las consideraciones de calidad poética de los japoneses, aunque no están prohibidas.


Cinco Haikús de Joan Pined






I

Lo que no intentas

como las hojas quietas

calma de viento

II

Luna apenas

suspende las miradas

senda frondosa

III

Alzado árbol

despierta solitario

deja provocar

IV

Nubes oscuras

auguran los colores

arden el alma

V

Verde natura

las mujeres esperan

sale un cantar

©Joan Pined ©creatividadpoética